Notas: 21 de mayo

Posted on May 1, 2015 in Notas del programa, Program Notes
Notas: 21 de mayo

21 de mayo • Aviones, Trenes y Automóviles

Notas del programa de concierto por Leigh Townsend
María Angélica Lasso, traducción al español

 

Short Ride in a Fast Machine
John Adams (nac. en 1947)

AdamsAdams describe su propia música como “postminimalista”. Sus composiciones tienden a ser más direccionales y dramáticas que las de minimalistas tradicionales como Philip Glass o Steve Reich.

Short Ride in a Fast Machine Machine (“Trayecto corto en una máquina rápida” traducido al español) es, como lo sugiere el título, un remolino derviche de una pieza en la que una orquesta enorme se pone en marcha en cuatro minutos de emociones a alta velocidad, por la insistencia de la conducción de un bloque de madera. Al ser compuesta como acompañamiento de una lenta y anti-fanfarria pieza, Short Ride es un arranque impresionante de aceleración a nivel máximo y estruendo de motores. Un iniciador de conciertos como ningún otro.

La primera presentación de la pieza se llevó a cabo en 1986 por el joven conductor Michael Tilson Thomas, quien más tarde se convertiría en el director de música de la Sinfónica de San Francisco, donde Adams es actualmente compositor en residencia.

 

Rhapsody in Blue 1924
George Gershwin (1898–1937)

Se creyó alguna vez que la distintiva apertura de clarinete glissando en Rhapsody in Blue (“Rapsodia en azul” traducido al español) compuesta por Gershwin era imposible de tocar. Hoy en día esa Rapsodia es una pieza orquestal estándar, los jóvenes clarinetistas practican esta peculiar pieza en todas partes.

Acerca de Gershwin

GershwinLos padres de Gershwin, Moshe y Rose Gershovitz, emigraron de Rusia a los Estados Unidos para la década de 1890 estableciéndose en New York. George fue uno de los 4 hijos, su hermano mayor Ira fue a menudo su colaborador musical y letrista. En 1910, la familia compró su primer piano y George lo dominó inmediatamente.

La ejecución del piano de Gershwin, como sus composiciones posteriores, fue caracterizada por un manejo rítmico infalible, un sentido armónico creativo y una precisión casi metronómica del tempo. Cuando él improvisaba, el flujo de ideas era ilimitado.

En 1914, Gershwin abandonó la escuela y empezó a tocar el piano como editor y vendedor de música en Tin Pan Alley, donde tocó y cantó para promover los éxitos actuales de Broadway para artistas. Las interminables horas en el teclado mejoraron enormemente su ejecución del piano y le dieron las habilidades y la confianza que él necesitaba para saltar al campo de la composición como su amigo, el exitoso Jerome Kern.

Jazz y clásica, cuando los mundos colisionan

El 12 de febrero de 1924 se dio el estreno del concierto en que se presentó Rhapsody in Blue, evento organizado por el líder de la orquesta de baile Paul Whiteman (nativo de Denver). Whiteman empezó la publicidad del concierto de New York City el 3 de enero y fue en ese momento cuando George Gershwin escuchó por primera vez que él estaba escribiendo una pieza musical para el concierto anunciado como ‘Un experimento de música moderna.’ Nada de presión, ¿verdad?

El propósito del concierto era introducir audiencias de música clásica a un nuevo tipo de música popular americana — música rítmicamente vivaz llamada Jazz. Gershwin decía que en este tipo de música: “Los ritmos de la música popular americana son más o menos frágiles; estos deben ser hechos para quebrarse y, en ocasiones, para crujir. Entre más agresiva se toque la música, más eficaz suena.”

Una de las diferencias más obvias entre la música de concierto tradicional y el movimiento de jazz popular era la improvisación: la habilidad del concertista para integrar sus propias ideas rítmicas y melódicas dentro de un conjunto de marco de referencia armónica y después jugar con ellas.

La partitura manuscrita original para Rhapsody in Blue tenía varias páginas en blanco en la parte del solo del piano donde Gershwin podía hacer alarde de su talento prolífico para el piano, mostrando también el talento potencial del jazz a través de la improvisación del solo durante el estreno del concierto. Más tarde escribiría lo que tocó en el concierto, que recordaba de memoria, y que es hoy en día representado como la parte permanente del solo.

Acerca de la obra

Mucho antes de los comerciales de Fantasia 2000 o United Airlines, Rhapsody in Blue había estado pintando una imagen vívida urbana para las audiencias. Los tonos vibrantes y ritmos animados reflejan el bullicioso ritmo de la vida estadounidense que Gershwin veía cada día.

Gershwin  concibió esta pieza musical cuando iba en camino a Boston al estreno de su nuevo musical, Sweet Little Devil (“Dulce diablito” traducido al español). “Fue en el tren, con sus ritmos de acero, sus explosiones de traqueteo que son a menudo estimulantes para un compositor. Con frecuencia escucho la música directo desde el corazón del ruido, y allí escuché e incluso vi en el papel la construcción completa de Rhapsody, de inicio a fin. La escuché como una especie de caleidoscopio musical de América, de nuestro gran crisol de culturas, de nuestra vitalidad nacional que no puede ser duplicada, de nuestros blues, de nuestra locura metropolitana.”

Aunque Rhapsody in Blue se separó de la formalidad de la gran muestra clásica de conciertos para piano y orquesta, la salida no fue a expensas de una profundidad virtuosa, sino simplemente estilo: tomar el ritmo y el momentum del jazz y dotarlos del estilo de concierto tradicional. Desde el profundo trino familiar de la apertura del clarinete hasta el acorde impactante en Si bemol al final, el estilo de jazz es ácido y verdadero, con lirismo y virtuosismo servido a toda velocidad.

 

Sinfonía No. 5 Op. 100 1944
Sergey Prokofiev (1891–1953)

Los que llegaron a conocer bien a Prokofiev dicen que él llevó una vida impulsiva e impetuosa. Vivía enamorado de los avances tecnológicos de la era moderna y aprovechó todas las ventajas de la comunicación de alta velocidad y los viajes transcontinentales.

Acerca de Prokofiev

ProkofievSergey Prokofiev nació en 1891 en Ucrania, hijo de un próspero administrador de bienes raíces. Al ser hijo único, su madre, una pianista aficionada, fomentó su talento musical. Prokofiev empezó a componer a la edad de los 5 años, y eventualmente recibió tutorías en casa por el compositor Reinhold Glière.

En 1904, siguiendo el consejo de Alexander Glazunov, sus padres le permitieron  entrar al conservatorio St. Petersburg (con 13 años de edad), donde continuó sus estudios como pianista y compositor hasta 1914. En el conservatorio recibió más influencia de los compañeros de su edad que de la generación adulta de maestros como Nikolai Rimsky-Korsakov.

Después de la revolución rusa de 1917, Prokofiev abandonaría Rusia por los próximos 14 años, desempeñándose como pianista concertista y produciendo sus obras a través de la mayor parte del mundo occidental. Durante el tiempo que estuvo en el extranjero compuso su primera ópera, tres sinfonías, tres conciertos de piano y una sonata de piano.

Regresó a la sombría Rusia soviética de Lenin y Stalin en 1933 e instaló a su familia de manera permanente en Moscú, donde continuó componiendo y haciendo presentaciones el resto
de su vida.

Prokofiev murió a la edad de 61 el 5 de marzo de 1953 — el mismo día que Joseph Stalin. Prokofiev vivía cerca de Red Square, y debido a que por tres días masas de personas se reunieron a llorar a Stalin, fue imposible sacar el cuerpo de Prokofiev para su propio funeral en la sede de la Unión soviética de compositores. Está sepultado en Moscú.

La muerte del Imperio ruso

Cuando Prokofiev nació, Ucrania era parte del Imperio ruso zarista y permaneció así durante todos los años de su formación. El Zar Nicholas II o Zar Nicholas II Emperador y Autócrata de todas las Rusias, tuvo un trabajo tan complicado como su título. Su familia real se extendió por toda Europa: su primo mayor George, mejor conocido como Rey George V de Inglaterra, y las monarquías dominantes de Dinamarca, Noruega, Grecia y Alemania que también eran parte de la familia. Tan pronto empezaron los rumores de la Primera guerra mundial, uno podría imaginarse lo incomodo de las reuniones familiares cuando las naciones empezaron a tomar partido y las alianzas fueron analizadas.

Como jefe de Estado, Nicholas aprobó la participación de Rusia en la Primera guerra mundial, una guerra en la que 3,3 millones de rusos fueron asesinados. Las graves perdidas del ejercito imperial y el manejo incompetente de la guerra por parte de los altos comandos, junto con otras políticas nefasta dirigidas por Nicholas durante su mandato, se consideran como las causas principales de la caída de la dinastía Romanov.

Para el tiempo en que Prokofiev abandonó Rusia en 1918, Nicholas había sido obligado a renunciar a su trono y los bolcheviques habían tomado control del gobierno. Los políticas y las leyes que fueron llevadas hasta la década de 1930 incluyeron la rápida industrialización, colectivización de la agricultura y la hambruna y terror propiciadas por el Estado.

El Partido comunista de la Unión Soviética tenía la última palabra en lo relacionado con todas las artes y eventos culturales. La música de Prokofiev fue entonces censurada y fue forzado a aceptar que su música fuese escrita con consejo parcial de las autoridades. Una vez que Stalin hizo pacto con la Alemania Nazi en 1939, a Prokofiev se le prohibió incluso viajar por fuera de la Unión Soviética.

Harold Williams, un periodista inglés que trabajaba en Moscú para ese tiempo, escribió: “Hay momentos en los que uno preferiría guardar silencio acerca de lo que está pasando en Rusia. Las grandes esperanzas de la revolución están siendo opacadas, la energía colectiva de la gente está siendo paralizada, y la vida entera de la nación enmarañada en una red de contradicciones casi indisolubles.” No era el mejor momento para ser un artista en Rusia.

Sinfonía 5

La Quinta sinfonía de Prokofiev fue escrita en 1944 al final de un largo periodo creativo en su vida. Está compuesta en cuatro movimientos grandiosos. La primera presentación de la Sinfonía 5 coincidió con el avance de las tropas rusas hacia la Vístula en Alemania y la primera sinfonía que Prokofiev había escrito desde su regreso a Rusia. La obra tuvo acogida tanto por la audiencia del concierto, quien la recibió con entusiasmo, como por las autoridades quienes pudieron haberla vetado.

El primer movimiento empareja una notable fuerza con unos giros inesperados en la melodía que son altamente característicos de la escritura orquestal de Prokofiev. El segundo movimiento, un Scherzo, posee una melodía igualmente característica sobre un patrón constantemente repetitivo que se mueve entre las partes de la cuerda. El tercer movimiento, Adagio, es un movimiento de lirismo sostenido, con una sección de central de fiereza dramática, y el movimiento final, con su reminiscencia inicial de apertura de la sinfonía, conduce a la obra a un cierre exuberante y triunfante.

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